1. DEMO_4. Taller con DEMOCRACIA

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    31 diciembre, 2015

    Del 14 al 17 de enero es realiza Demo_4,  un programa de apoyo a las artes visuales, que des del contexto local se basa en la formación, la profesionalización, la producción, la difusión y el intercambio entre artistas visuales. Esta edición DEMOCRACIA nos proponen trabajar sobre “Arte, propaganda y esfera pública”


    Arte, propaganda y esfera pública

    Propaganda es una palabra con mala prensa, pues nos parece hablar de instrumentalización y control, sin embargo ya los situacionistas señalaban que uno de sus objetivos era la propaganda “hiper-política”, los situacionistas proponían invertir el signo de la manipulación publicitaria donde los artistas se convertirían así en “persuasores ocultos de la libertad” (Perniola, 2010, p. 22) cuyo fin es el de difundir contenidos emancipatorios.

    Si el potencial crítico del arte se desarrolla más adecuadamente en contextos políticos distintos de los del mercado, señalar determinadas prácticas que puedan escapar a la lógica financiera del arte y ser eficaces como propaganda nos permite pensar en las contradicciones de una práctica artística limitada a la estructura mercantil del capitalismo para así encontrar zonas de resistencia.

    foto: Democracia, Ne vous laissez pas consoler, 2009

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  2. TO PLAY WITH HEIGHTS WITH A KIND OF VOID.

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    10 diciembre, 2015

    Ian Waelder
    Comisario: Jordi Antas
    Inauguración: 17 de diciembre a partir de las 13:30
    17.12.2015 – 11.03.2016
    DAFO, Lleida

    To play with heights with a kind of void, es el proyecto expositivo que Ian Waelder plantea para DAFO en el marco de colaboración iniciado este pasado mes de noviembre -y que durará hasta el próximo febrero- con el centro de producción y residencia de artistas visuales Nau Estruch de Sabadell. De esta manera, esta colaboración plantea diferentes actividades tanto expositivas, como formativas y performativas, que DAFO acoge y amplifica a partir del espectro de trabajo que se lleva desarrollando desde este centro, y en el que pasaran artistas como Pol Merchán, Ian Waelder, Ana García Pineda, y Sergi Botella.

    En este sentido, To play with heights with a kind of void, exposición individual de Ian Waelder, (Madrid, 1993), parte por un lado del trabajo realizado durante su estancia de residente en Nau Estruch, y por otro de ciertas notas extraídas del libro “The Forbidden Conjuction” (2011) que el artista francés Raphaël Zarka relata a partir de diferentes aspectos entre la práctica del skateboarding y el trabajo en arte, y que los dos artistas comparten como sistema de trabajo.

    La práctica del skate en sí, invierte la función y significado de los materiales y las formas de la ciudad en una especie de escenario creado para subvertir las estructuras urbanas concebidas para el descanso y el confort. En vocabulario de Barthes, podemos decir que el patinador se convierte en una manera de existir en la ciudad como “creador” más que como un simple “usuario”. De esta manera, la práctica del patín se define desde diferentes ejes y confrontaciones: la fragilidad del propio cuerpo, el uso de los materiales, el paso del tiempo y la degradación de las cosas, la arquitectura  -cómo convivimos con ella y hasta qué punto la utilizamos o no-, la existencia del espacio público, el sonido, los planteamientos invasivos, el concepto de caída, fracaso, error… etc.., En definitiva, la gente que patina reduce la ciudad a su esencia, es decir, a sus materiales y formas, y que ponen en entredicho los límites, que esta práctica son siempre cuestionables.

    Bajo dichas premisas, Ian Waelder parte de ideas relacionadas con las alturas, la acrobacia, el vacío o el equilibrio; un discurso próximo a la práctica del monopatín que, de manera deliberada, atiende a los temores del acróbata que se somete al vacío de la caída, y a la fragilidad de los elementos. Una actitud irónica e inestable que aparece de modo voluntario y consciente, y se haze visible ante el desmoronamiento del “truco” del patinador. Para ello el artista plantea un proyecto flexible cargado de subversividad y capacidad desestabilizadora en relación a la práctica callejera del skate. Una interacción entre hecho artístico y el monopatín que nos lleva a una primera pieza textual que domina la altura de la sala expositiva; *The acrobat plays with heights, with a kind of void. By dominating his fear, he transforms it into a kind of ally. He seeks to give us the impression that the void no longer exists for him. But this void which no longer exists for him must exist for the viewer, 2015, un enunciado donde los signos de puntuación desaparecen generando de este modo en el espectador una complejidad lectora. Un acto de desobediencia ante lo establecido, una fracturación sobre las reglas, que de esta manera  hace evidente que el skate no las tiene; al mismo tiempo constituye un acto de sinceridad oculta del propio patinador -o del acróbata, o en este caso del artista- hacia el temor de caída o de vacío. Una segundo trabajo s/t, 2015, que, relacionado con la escultura y lo objectual, traza un significado directo con el texto y el equilibrio, a partir de la ayuda de una simple cinta que sujeta los dos elementos remitiendo (con esa idea de inestabilidad) equilibrio y vértigo, ya que en cualquier momento puede derribarse. Por último una imagen de gran formato que aparece la evidencia de la caída. En definitiva, un proyecto que mediante la ironía y el uso del skate como práctica artística, genera un dispositivo sobre las relaciones entre la inestabilidad y lo que nos rodea.

    
    

    DAFO Espacio Vestíbulo. EAM Leandre Cristòfol. C. La Palma s/n, Lleida Horarios: de lunes a viernes de 10 a 14h y de 19 a 21h. Viernes por la tarde de 17 a 19h *Cerrado del 23 de diciembre de 2015 al 7 de enero de 2016. www.dafoprojectes.com www.lestruch.cat/nauestruch www.lapanera.cat www.eamleandrecristofol.cat

    
    

     

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  3. Vitrina #4

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    20 enero, 2015

    Estratigrafía Muscular de Martin Llavaneras
    Inauguración sábado 31 de enero a las 11h

    El espacio Vitrina es un proyecto específico de intervención sobre el escaparate de DAFO que complementa la actividad expositiva del espacio. Una propuesta que amplía la visibilidad expositiva del espacio, y que supone un trabajo ya sea paralelo, complenatario, o independiente a la exposición actual.

    Esta edición, que se despliega para la ocasión en el espacio Vitrina, toma como punto de partida la problemática que rodea “la cueva grande” de Santa Linya, (las Avellanas, Lleida). Se está discutiendo como intervenir o preservar la cueva. El conflicto afecta el interés de arqueólogos y escaladores, dos colectivos muy diferentes. Mientras que en la base de la cueva hay diferentes yacimientos prehistóricos, en su cúpula hay más de 90 vías de escalada. El contenido de esta edición, conecta los registros de investigaciones arqueológicas con imágenes del entorno de la escalada.

    La edición de Martín Llavaneras, Estratigrafía muscular (en torno al La Cova Gran de Santa Linya), es una publicación que se edita desde el Centro de arte La Panera en colaboración con la Sala de Arte Joven de la Generalitat de Cataluña .

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  4. 9a Bienal de Arte Leandre Cristòfol

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    Mercedes Mangrané | Teresa Solar | Mauro Vallejo
    Inauguración 31 de enero a partir de las 11h hasta las 14h

    Siguiendo las líneas maestras de la primera edición, en 1997, la Bienal de Arte Leandre Cristòfol vuelve a plantearse el reto de realizar una tarea de prospección y proyección en torno a las artes visuales contemporáneas, la arquitectura, el diseño y las publicaciones especiales. Por otra parte, se continúa ampliando una colección que quiere ser un reflejo del trabajo y de las preocupaciones estéticas y conceptuales de diferentes artistas catalanes y españoles que crean desde el momento presente. Este año DAFO participa de forma activa en el conjunto del evento.

    Mercedes Mangrané_
    En sus obras pictóricas, la mayoría de pequeño formato, su principal motivo es el paisaje, tanto natural como urbano, pero centrando su atención en elementos que no son icónicos, ni esencialmente representativos. A partir de la representación del puerto marítimo de Barcelona, Mercedes Mangrané hace referencia a las diferencias que genera un espacio construido; de las relaciones comerciales, urbanas, políticas y sociales que éste determina. Se alude a lugares privatizados pero construidos con dinero público, a los que tienen acceso pocos ciudadanos, donde se realizan transacciones comerciales a gran escala, y donde llegan cruceros cargados de turistas express.

    Teresa Solar_
    Las esculturas Revolución, y Oficina son un intento por parte del artista de materializar el movimiento que unas manos realizan en representar estas palabras, mediante el lenguaje de signos. El artista partió de la ceremonia fúnebre de homenaje a Nelson Mandela, el diciembre de 2013, cuando un intérprete de signos sudafricano perdió el control de sus manos, y sus gesticulaciones transmitieron un mensaje inconexo y absurdo. La pieza This is nonesense, complete gibberish pertenece a la serie de piezas de cerámica esmaltada que el artista ha realizado siguiendo con la misma intención de materializar el lenguaje de signos, pero en esta ocasión las sílabas repetidas remiten a traducciones erróneas de los gestos de un intérprete encontradas en la red. Es un lenguaje con un posible doble sentido, y tanto puede quedarse en el estricto contenido semántico, como introducir elementos nuevos de reflexión surgidos del uso engañoso con que a menudo se utilizan las palabras.

    Mauro Vallejo_
    Mauro Vallejo está interesado en investigar la relación existente entre el individuo y los factores ambientales que determinan su relación con el espacio que lo rodea. Si estas reflexiones las extrapolamos al contexto artístico, y en este caso, el individuo es el artista que tiene la oportunidad de desplazarse y vivir en un contexto diferente al habitual, entonces estos factores se vuelven más determinantes y visibles, y afectan de manera evidente al resultado final de la obra.

    Foto: Teresa Solar, Revolución, 2014

    www.lapanera.cat
    www.dafoprojectes.com

    Agradecimientos_
    Formato Cómodo

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  5. Vitrina #3

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    20 octubre, 2014

    Up & Down de Francesc Ruiz
    Inauguración sábado 25 de octubre a las 13,30h
    Del 25 de octubre al 18 de enero.
    DAFO, Lleida

    El espacio Vitrina es un proyecto específico de intervención sobre el escaparate de DAFO que complementa la actividad expositiva del espacio. Una propuesta que amplía la visibilidad expositiva del espacio, y que supone un trabajo ya sea paralelo, complenatario, o independiente a la exposición actual.

    Up & Down es un proyecto de Francesc Ruiz que mediante el dibujo y un lenguaje cercano al cómic y la viñeta, se sitúa en el ámbito del ocio nocturno donde construye un complejo mapa mental de ambientes, grupos sociales, dinámicas de consumo y derivas urbanas, a partir de narrar historias individuales y colectivas.

    En este sentido, para Vitrina # 3, Up & Down se amplía y se reconvierte en varios flyers publicitarios donde focaliza los estados emocionales sobre algunos de los detalles de la pieza central que, a partir de fotocopias y la firma del promotor nocturno, permitirán revisitar el espacio, la diversión, y los diferentes estatus, usos, y costumbres de su público habitual.


    Categorís: Anteriores, Expos, Vitrina

  6. Nada se detiene. Acto y Prefacio

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    16 septiembre, 2014

    Marla Jacarilla | Bruno Ollé | Ricardo Trigo | Adrianna Wallis
    Inauguración: 25 de octubre a las 13,30h
    Del 25 de octubre al 18 de enero del 2015
    DAFO, Lleida

    Coincidiendo con la exposición Res no s’atura en el Centro de Arte la Panera proponemos una extensión del proyecto en DAFO. El pistoletazo de salida del proyecto expositivo Res no s’atura fue la inauguración el 13 de febrero de 2014 en la Fundación Suñol, ahora su continuación tendrá lugar en La Panera a partir del 25 de octubre. Esta exposición propone establecer un diálogo entre la Colección Josep Suñol y la colección de La Panera.

    Paralelamente a la exposición principal planteamos Res no s’atura. Acte i Prefaci, una exposición colectiva que sigue funcionando en base al diálogo entre diferentes obras y artistas. En este caso, no partimos de la Colección Josep Suñol, sino de una elección de algunos de los artistas que han pasado por el Nivel Zero de la Fundación Suñol bajo el epígrafe Acto; y otra selección de los artistas que en la 8 ª Bienal de Arte Leandre Cristòfol formaron parte del Prefacio. Un punto de partida que pone de manifiesto el interés de la Fundación Suñol, el Centro de Arte la Panera y DAFO por el apoyo a los artistas jóvenes que inciden en la escena de la creación actual.

    En este sentido, desde DAFO, se confecciona un dialéctica cruzada entre cuatro artistas: Marla Jacarilla y Adrianna Wallis, como participantes del Prefacio de la Bienal; y Bruno Ollé y Ricardo Trigo, como artistas que han realizado proyectos individuales en Nivell Zero de la Fundación Suñol. Con esta nueva presentación se busca la interacción entre trabajos de distinta procedencia, y desde un esquema flexible, se centra en dos conceptos a desarrollar: en primer lugar, en la idea de complejidad y fractura de las narrativas clásicas y lineales, como es el caso de “Notas al pie de Dublinesca” de Marla Jacarilla, y “giroscopio Croma” de Ricardo Trigo (pieza que conformaba parte de la instalación “Fácil. Complicar en discurso, sino el ni un” que se pudo ver en Nivell Zero); y en segundo lugar, al generar una nueva materialidad ya sea objetual o espacial a partir de la deconstrucción de los objetos originales y la transformación de sus usos, como sucede en el caso de los trabajos de “Rare et Magnifique” de Adrianna Wallis, y en los objetos escultóricos y los dibujos que formaban parte de la instalación “Hoy es siempre Todavía” de Bruno Ollé.

    Foto: Adrianna Wallis. Rare et magnifique, 2012

    www.lapanera.cat
    www.fundaciosunol.org
    www.dafoprojectes.com

    Agradecimientos:
    La Fundación Suñol

     

     

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  7. Vitrina #2

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    2 junio, 2014

    Egolactante, tercera etapa
    a cargo de Javier Peñafiel

    «Vitrina#2» es un proyecto específico de intervención sobre el escaparate de Dafo que complementa la actividad expositiva del espacio. Una propuesta que amplia la visibilidad expositiva del espacio, y que supone un trabajo ya sea paralelo, complenatario o independiente a la exposición actual.

    Egolactante, tercera etapa, es un proyecto de Javier Peñafiel que se sitúa en el intervalo de mediación entre espacio y proyecto a partir de las obras de la colección de la Panera Adivina estos dibujos (2003) y Familia plural vigilante (2005), las cuales en esta ocasión se amplían con el blog del propio artista i una serie de textos que activan los distintos personajes de Familia plural vigilante. Con esta tercera etapa de «Egolactante», Peñafiel imprime una capa más en el diálogo entre artista y personaje, presentando con una actitud lle na de ironía relatos vinculados a la construcción de la identidad.

    Foto: Javier Peñafiel. Familia Plural Vigilante, 2005. Imagen de Doble dirección en el FRAC Corse

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  8. La figura perfecta

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    17 abril, 2014

    Comisario: Jordi Antas
    DAFO-Panera. Lleida
    del 6 de junio al 4 de octubre de 2014
    Inauguración 6 de junio a las 19h con la performance “Discoteca petada bailando Milli Vanilli sin poder parar” de Ryan Rivadeneyra.

    Elena Alonso | Ariadna Parreu | Ryan Rivadeneyra

    «La figura perfecta» se centra en la idea de orden cósmico, y en el análisis entre lo sagrado y lo profano, para incidir en las relaciones y analogías entre los elementos mágicos y el poder. Se trata de un planteamiento próximo a situaciones y momentos a medio camino entre la experiencia física y el valor narrativo que, mediante un discurso flexible —con tintes paródicos, y no exentos de humor— destila una actitud de confianza máxima ante el esfuerzo por descifrar aspectos como la cualidad sobrenatural, la fantasía, la simbología o el enigma.

    En este sentido, «La figura perfecta» supone un diálogo cruzado entre tres artistas de procedencias distintas —Elena Alonso, Ariadna Parreu y Ryan Rivadeneyra— que, pese a trabajar con distintos registros (dibujo, vídeo, instalación o performance), comparten complicidades e intereses comunes: la mezcla de realidad y ficción, la construcción de mundos supremos y la especulación sobre la interpretación de nuestro entorno próximo, y establecen procesos difusos cercanos a la profecía, la ciencias ocultas y los rituales.

    Elena Alonso toma como punto de partida una serie de dibujos que de manera minuciosa configuran aleatoriamente una escritura críptica que recuerda las piedras, las tabas o los huesos tirados al azar por adivinos. En referencia a esas líneas (2013) aplica ese tipo de antropología donde la medida y el orden se contraponen a la fascinación del dibujo, lo que se refuerza en Mesa de estudio y Cartabón (2014), dos piezas escultóricas que recuperan el relato enigmático que transita entre el origen y la reencarnación.

    Ariadna Parreu analiza y resuelve cuestiones de carácter metafísico, imposible o absurdo, a través de relacionar bases científicas contrapuestas a aspectos humanos, inmateriales o cósmicos. Se trata de una investigación que, con Triunfo y orden (2011) y Sideritos (2014), se centra en el estudio de las relaciones de los objetos procedentes del espacio, a través de la leyenda y la especulación de la historia, que, mediante la instalación, conecta con la fascinación de lo sensorial y los aspectos mágicos.

    Ryan Rivadeneyra estetiza y analiza su entorno más próximo para convertirlo en piezas narradas a modo de powerpoint que se acaban formalizando en performances o conferencias «performáticas». Se trata de una construcción de genealogías y pensamientos que genera unos relatos que fluctúan entre anécdotas ficticias e históricas, que desprenden una especie de espiritualidad de varios órdenes, desde la identidad humana hasta la configuración de la civilización. Con Discoteca petada bailando Mili Vanilli sin poder parar (2014) y Sexy Miami Futuristic Cocktail Lounge (from the past), (2013), utiliza unos recursos a modo de crónica y micronarrativas, donde el ritmo y la coreografía encaminan y envuelven varias aficiones obsesivas y estéticas desafiantes.

    Foto: Ryan Rivadeneyra. “Discoteca petada bailando Milli Vanilli sin poder parar”, 2014

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    www.lapanera.cat

    Agradecimientos:
    Espacio Valverde, EA Leandre Cristòfol

    Categorís: Anteriores, Expos

  9. Vitrina #1

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    10 marzo, 2014

    Comfort pasivo
    a cargo de Josep Bunyesc

    «Vitrina#1» es un proyecto específico de intervención sobre el escaparate de Dafo que complementa la actividad expositiva del espacio. Una propuesta que amplia la visibilidad expositiva del espacio, y que supone un trabajo ya sea paralelo, complenatario o independiente a la exposición actual.

    En este sentido, Comfort pasivo se centra en tres reglas básicas de la arquitectura: captar el sol, el aislamiento y la ventilación. Tres nociones que además incorporan un montaje rápido y sin huellas, y la utilización -en ocasiones- de materiales locales reciclabes para obtener el máximo comfort a un bajo o inexistente consumo energético. Son los puntos de partida de la arquitectura de Bunyesc que de esta manera atraviesa el umbral de la construcción arquitectónica actual (la construcción como fuente de ingresos de alto rendimiento) para centrarse en lo que realmente es lo esencial: la utilización de la casa o el habitáculo como protección del exterior.

    Categorís: Anteriores, Expos, Vitrina

  10. Volver a lo esencial

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    Comisariado por Jordi Antas
    DAFO-Panera. Lleida
    del 13 de marzo al 17 de mayo de 2014

    Isabel Barios Ibars | Josep Bunyesc | Estanis Comella | Bárbara Sánchez | Jaume Simon Contra

    Con esta exposición se inicia una colaboración entre el Centre d’Art la Panera y Dafo, el cual se convierte en un espacio satélite del Centre, con un programa expositivo propio destinado a ser un laboratorio de prospección en torno a las nuevas generaciones de creadores. Con esta alianza queremos contribuir a consolidar un escenario específico para el arte emergente o en vías de consolidación en la ciudad de Lleida.

    Con esta primera colaboración se propone una revisión actualizada de la creación en Lleida. En este sentido, «Tornar a l’essencial» toma un punto de partida que permite, desde una posición liberada, hacer una aproximación, a medio camino de la parodia y la lectura más romántica y apasionada, y muestra cierta desconfianza en el progreso de la actual sociedad occidental. Se trata de una posición que prioriza lo social, lo humano y lo natural por encima de aspectos como lo artificial, lo que no es humano o los agravios del mundo capitalista.

    De esta manera, «Volver a lo esencial» analiza los vínculos y acuerdos entre lo social y lo natural, basados en conceptos relacionados con los caminos de bosque i los senderos perdidos que Heidegger retrata en su obra Holzwege (1950). Por eso, el filósofo alemán considera que el trayecto de un camino que no conduce a ninguna meta se presenta como el genuino logro del lugar y el momento, y de ahí, la búsqueda incansable de la relación entre lo humano y lo natural: encontrarlo todo desde la más absoluta sencillez. Es una posición entre romántica y marginal, que configura la exposición a partir de cinco capítulos independientes, pero complementarios, que, desde distintos registros de presentación —dibujo, arquitectura, instalación, videoinstalación—, plantea un ensayo expositivo a partir de las relaciones entre el individuo y el espacio natural.

    Este recorrido se inicia, desde el ámbito arquitectónico, a partir de una serie de gráficos que analiza distintos registros de eficiencia energética que realiza Josep Bunyesc, que conviven con los dibujos de paisajes frenéticos y con la tensión dramática de Estanis Comella, y la reflexión de Bàrbara Sánchez sobre las relaciones del hombre con la naturaleza, desde la poesía, la literatura y el cine, con Accions al bosc (2014). Seguimos con el díptico Rebot vermell y Exercicis (2013) en línea dos vídeo-loops de Isabel Barios, que analiza las relaciones entre el individuo con elementos básicos como la luz y el agua, y finalizamos el recorrido con Mystery guest 02 (2014), de Jaume Simon Contra, una segunda lectura de este proyecto realizada a partir de una revelación visual vivida desde el monasterio de Montserrat.

    En definitiva, «Volver a lo esencial» reúne diferentes obras que, desde la creación local y desde distintos intereses y campos de actuación, inciden en el entorno natural desde una actitud desmitificadora, mediante la conquista, la convivencia, la artesanía, la construcción o el refugio en la naturaleza

    www.dafoprojectes.com
    www.lapanera.cat

    Agradecimientos:
    EA Leandre Cristòfol

    Categorís: Anteriores, Expos

  11. El desliz

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    31 octubre, 2013

    Ion Macareno & Quim Packard
    comisariado por Jordi Antas

    Inauguración: sábado 23 noviembre, de 12 a 15h
    Del 23 de noviembre al 1 de febrero de 2014

    Ya sea un resbalón, un descuido, un desacierto, un fallo involuntario o un faux-pas como se diría en francés; ya sea prácticamente un instante minúsculo, el alcance de un desliz, -entendido como acto fallido- incorpora tal velocidad ante el desarrollo de la acción, que se vé arrastrado de la duda al entusiasmo, pasando por el ridículo, el absurdo, el delirio o la saturación en cuestión de escasos segundos. Una intensidad que atrapa al espectador y que acompleja al descuidado/a a modo de proyección subjetiva y que enfrenta durante unos breves segundos a un estado latente, mientras se analiza el grado de gravedad y de repercusión de tal acto.

    Un suceso, el de un vulgar desliz que, desde un análisis desenfadado y una actitud desdoblada, toma como punto de partida algunos juegos de contrarios: el pesimista y el entusiasta, el cómico a la vez que el peligroso incluso violento, o la combinación entre la malicia y la inocencia que este tipo de situaciones desbordan. Experiencias mínimas o tal vez exageradas que, mediante el trabajo de dos artistas, Ion Macareno y Quim Packard, confrontan un diálogo cruzado a partir de ciertos intereses compartidos como el error, el fallo, la broma, el reto absurdo, o el retorno a lo esencial. Una puesta en crisis que ya sea a través de las instalaciones escultóricas del primero, o los dibujos, instalaciones y acciones del segundo, genera una tensión latente determinada por este tipo de acciones propias de nuestro entorno inmediato desde una doble posición: por un lado el ensayo a modo de relatos sobre la condición humana y sus debilidades y, por otra, la exaltación de lo insólito y extraordinario ante una actitud irónica delante del acto fallido.

    Ion Macareno toma como punto de partida el campo del ensamblaje combinando diferentes registros como el dibujo (acuarelas) y la serigrafía, que le sirven para esquematizar y trasladarlo al terreno de lo escultórico. A partir de construcciones mínimas, establece a modo de guiño, una particular revisión de la escuela vasca, encaminandose hacia recursos que destacan por su simpleza, y que devienen fundamentales en el desarrollo de su trabajo, centrandose en una labor obsesiva de taller, que refuerza con sus dibujos de baja espectacularidad y de relatos antiépicos.

    Quim Packard parte de diferentes manifestaciones de la búsqueda de lo esencial como el retorno a lo natural, el grunge o el neo-folk, el movimiento DIY, entre otros, para investigar su terreno político. Construyendo un puente entre estas lineas de pensamiento y el espacio expositivo -que también considera un punto clave de este terreno ideológico- utiliza el mito de la espontaneidad o el juego parcialmente banal como una herramienta para insertar estas conexiones. Tanteando entre una ironía posmoderna y el entusiasmo moderno a partir de sus dibujos desarrolla diferentes procesos de trabajo que se articulan en registros tan variados como talleres, performances, instalaciones, sketches de teatro y conciertos.

    agradecimientos:
    galería nuble, múltiplos, fundación sorigué, molde, centro de arte la panera, yvette a. mata, sisko baraut

    Categorís: Anteriores, Expos

  12. Leyendas de combate

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    8 abril, 2013

    Antoni Hervàs & Pablo Serret de Ena
    Comisariado por Jordi Antas y David Armengol

    Inauguración: sábado 20 de abril de 12 a 15h
    Del 20 de abril a 14 de julio de 2013

    Leyendas de combate es un concepto utilizado por el crítico literario Santiago Alba Rico para referirse a las novelas de G.K. Chesterton. Un tipo de relato popular que analiza los entornos inmediatos (en su caso la sociedad inglesa de finales del siglo XIX y principios del XX) desde un doble prisma: por un lado el carácter mítico y fabuloso de lo cotidiano, susceptible en todo momento de situaciones extremas y extraordinarias; por el otro, una posición de resistencia e inconformismo ante lo normativo que puebla sus historias de personajes gratamente liberados de lo práctico.

    Si trasladamos dicho concepto a la práctica artística de Antoni Hervàs y Pablo Serret de Ena, encontramos una actitud similar a la que destilan los relatos de Chesterton.  Dos modos de abordar y magnificar la experiencia cotidiana mediante recursos como la épica, la parodia o el humor; algo que, ya sea a través de los dibujos expandidos del primero, o los videos e instalaciones del segundo, genera una suerte de activismo inútil y disfuncional capaz de repensar la condición del artista en la actualidad.

    Antoni Hervàs toma como punto de partida anécdotas y experiencias personales que le sirven como material de trabajo para trasladarlo posteriormente al terreno de la mitología y la fábula. Centrado especialmente en el dibujo, su obra reciente se encamina hacia recursos performativos donde la coreografía, la dramaturgia y la música devienen elementos fundamentales para la transmisión de sus relatos.

    Pablo Serret de Ena analiza las posibilidades del arte como experiencia compartida, algo que le lleva a continuos procesos de colaboración que articula a través de vídeos, instalaciones o talleres en los que desdibuja los límites entre lo artístico y lo vital. Próximo a la noción de juego, su obra implica el desarrollo de toda una serie de gestas, conquistas y retos absurdos o imposibles que invitan a cuestionar las nociones de identidad y autoridad.

    agradecimientos:
    múltiplos, centro de arte la panera, fc barcelona

    Categorís: Anteriores, Expos

  13. Biblioteca Intervenida

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    3 enero, 2013

    Comisarios: Ingráfica-Hablar en Arte (Javier Martín-Jiménez y Sören Meschede)
    DAFO. Lleida
    inaguración: 12.01 a las 12h
    del 12 de enero al 23 de marzo de 2013

    Esther Achaerandio | Izaskun Álvarez Gainza | Javier Arce | Tamara Arroyo | Irene de Andrés | Marlon de Azambuja | Busto Bocanegra | Míriam Cantera | Pedro Luis Cembranos| Daños Colaterales | Javier Chavarría | Raúl Díaz Reyes | Julio Falagán | Theo Firmo | Nuria Fuster | María Gambín | Fernando García | María García Ibáñez | Sonia Higuera | Edu Hurtado | Hisae Ikenaga | Olaf Ladousse | Juan López | Carlos Maciá | Óscar Martínez Martín y Eva Rueda Catry | Momu & No Es | Monoperro | Alfredo Morte | Pepe Murciego | Jaime Narváez | Noaz | Blanca Pérez-Portabella | Jordi Ribes | Belén Rodríguez | Mario Sarramián | Pablo Serret | Daniel Silvo | Luis-Felipe Talo | Françoise Vanneraud | Zoé T. Vizcaíno | Maya Watanabe

    Biblioteca intervenida” es un fondo de publicaciones intervenidas por artistas que plantea un reto diferente para nuevos creadores contemporáneos. Se les brinda la oportunidad de no enfrentarse al papel, a la página o al lienzo “en blanco”, aunque con la dificultad añadida de tener que trabajar con un soporte que tiene de por sí una carga simbólica muy grande, del tipo que sea. En este caso, es el propio soporte el que va a definir la idea de los artistas y su intervención en él, puesto que la relación de ambos es importante para que el resultado sea satisfactorio.

    El tema propuesto lo marcará la publicación utilizada: como cualquier biblioteca, será necesario que cuente con todo tipo de “literatura”, destinada a todos los públicos. De ahí que la selección de artistas invitados a la primera fase de “Biblioteca intervenida” sea tan heterogénea. La biblioteca acepta todo tipo de intervenciones (dibujo, collage, recortes, inserciones, etc.), pero siempre utilizando como soporte una publicación ya existente: libros, catálogos, atlas, libros de mapas, enciclopedias, catálogos de arte, cómics, calendarios o agendas, revistas, periódicos, etc.

    Para la primera fase de creación de la “Biblioteca intervenida” se ha invitado a cerca de 40 artistas para que produzcan los primeros ejemplares de la biblioteca, que irá creciendo con el paso del tiempo. 40 publicaciones intervenidas que se convierten en ejemplares únicos del archivo para su exposición y lectura en una itinerancia por diferentes sedes nacionales e internacionales.
    La biblioteca está además disponible on line para que sea revisada y estudiada en la web de Ingráfica (www.ingrafica.org)

    Agradecimientos:
    Hablar en Arte, Ingráfica, Centro de Arte la Panera, cc labaldufa

    Categorís: Anteriores, Expos

  14. Els Inmutables / Los Inmutables / The Immutable

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    16 agosto, 2012

    Comisarios: Jordi Antas y David Armengol
    DAFO. Lleida
    del 22 de septiembre al 24 de noviembre de 2012

    Aggtelek | Raúl Díaz Reyes | Lola Lasurt | Paula Mueller | Rasmus Nilausen | Luís Vassallo

    Los inmutables es la exposición con la que DAFO completa la declaración de intenciones iniciada el pasado mes de abril con El estandarte dorado. Dos exposiciones colectivas que marcan las premisas fundamentales que definen el espacio: una aproximación autocrítica a lo que supone trabajar en arte, una relación con los artistas basada en la experiencia directa y un intento por fusionar escenas artísticas diversas.

    En este sentido, Los Inmutables toma como punto de partida el dibujo y la pintura para analizar el carácter inalterable de dichos registros desde una perspectiva conceptual. Un gesto estoico y valeroso -  el de seguir pintando en escenarios menos receptivos al trabajo pictórico – que invita a una revisión actualizada de la condición periférica del pintor en la práctica artística actual. Un acto de persistencia que, ya sea desde un punto de vista más paródico y descreído con el propio medio, ya sea desde una lectura más romántica y apasionada, propicia una atrayente proliferación de propuestas pictóricas desde los contextos del arte emergente.

    De este modo, y a través de una óptica irónica y flexible, Los inmutables reivindica el ánimo impasible del pintor y el dibujante ante su propio oficio y ante los entornos sociales en los que éste opera. Una puesta en escena en la que, a modo de reacción en cadena, las ambientaciones pictóricas y sonoras de Aggetelek en The Speaker (2011), conviven con la aproximación a la ufología que Raul Díaz Reyes (en  este caso en colaboración con la fotógrafa brasileña Paula Muniz) lleva a cabo a través de la fotografía y el dibujo en Visionarios (2011). Un diálogo que continúa con Instrucció en cercle (2010) de Lola Lasurt, una ambigua serie de pinturas pseudo-documentales que la artista extrae de la Enciclopedia de la Mujer editada por Salvat en 1970 y con una intervención mural de Paula Mueller para Los Inmutables. Un relato visual de tintes épicos y tragicómicos que enlaza con las pinturas recientes de Luis Vassallo, tanto con la selección de piezas de Realidad Orgánica Primera (2011) – un juego de relaciones formales, icónicas y simbólicas -  como con El organista (2012), un nuevo trabajo de raíz figurativa. Finalmente, la exposición culmina con una nueva producción pictórica de Rasmus Nilausen, una serie de piezas centradas en sus aproximaciones plásticas y conceptuales al género menor del bodegón o naturaleza muerta.

    En definitiva, Los inmutables invita a seis enfoques diferentes ante la pintura y el dibujo pero que su vez comparten una actitud común: la de trabajar a través de su potencialidad narrativa y su capacidad crítica ante una realidad excesivamente rígida. Un poder más disfuncional que práctico, más inútil que productivo, pero que es capaz de rentabilizar su escasa relevancia para ofrecer así otras visiones posibles sobre aquello que nos rodea y define.

    Agradecimientos:
    Centro de Arte la Panera, Galería José Robles

    Categorís: Anteriores, Expos

  15. L’estendar daurat / El estandarte dorado / The Golden Banner

    expo
    29 marzo, 2012

    Comisarios: Jordi Antas y David Armengol
    del 28 de abril al 23 de junio de 2012 (prorrogada hasta el 21 de julio).

    PEDRO LUÍS CEMBRANOS / AINARA ELGOIBAR / FERMÍN JIMENEZ LANDA / MARTÍN LLAVANERAS / PERE LLOBERA / RICHARD PROFFITT / FRANÇOISE VANNERAUD

    El estandarte dorado establece un símil paródico entre la solemnidad de la épica medieval (el estandarte como emblema y pertenencia simbólica) y la baja relevancia social que, en términos generales, afecta y define el arte contemporáneo. Un planteamiento autocrítico sobre la propia práctica artística en el que la referencia obsoleta – e incluso absurda – al estandarte, funciona como posible vía de aproximación a las funcionalidades y disfuncionalidades que determinan el rol del artista.

    El estandarte dorado supone un diálogo cruzado entre siete artistas de procedencias distintas – Pedro Luís Cembranos, Ainara Elgoibar, Fermín Jiménez Landa, Martín Llavaneras, Pere Llobera, Richard Proffitt y Françoise Vanneraud – que, pese a trabajar con conceptos y registros de presentación diversos (pintura, dibujo, instalación o video), comparten una actitud similar ante el hecho artístico; una posición a medio camino entre la creencia (la confianza idealista en aquello que son) y el descrédito (la puesta en duda constante de su condición).

    De este modo, y a través del poder inútil que refleja el estandarte dorado, la exposición nos invita a una narrativa fragmentada que incide en las posibilidades de resignificación de nuestro entorno inmediato a través del arte. Propuestas artísticas que, base de ejercicios de resistencia ante lo asumido y estandarizado, exploran múltiples campos de interés: la condición paródica de la pintura de Pere Llobera, los retos absurdos de Fermín Jiménez Landa, la puesta en crisis del ritmo y la temporalidad de Ainara Elgoibar, los códigos satíricos y falsificados de la nueva mística de Richard Proffitt, la peligrosidad ridícula y la idea de límite de Martín Llavaneras, el simbolismo siniestro y tragicómico de los dibujos de Françoise Vanneraud, o el interés por lo grotesco y fantasmagórico de Pedro Luis Cembranos.

    En definitiva, El estandarte dorado propone una lectura específica sobre la práctica artística. Una lectura que, surgida tanto del entusiasmo que implica el trabajo artístico como del desasosiego que conlleva, analiza la figura del artista a base de continuos juegos de contrarios – realidad y ficción, fe y descrédito, solemnidad y absurdidad, relevancia e intrascendencia… – para ofrecer así una aproximación paradójica e irónica de lo que en la actualidad supone trabajar en arte.

    Agradecimientos_

    Galeria T20, Galeria José Robles, Galeria Raquel Ponce, Centre d’Art la Panera.

    Listado de artistas y obras_

    Richard Proffitt (UK-Liverpool, Dublín)
    Hash Knife Outfit/Sunset Spirit
    Instalación
    2011

    Pere Llobera (ESP-Barcelona)
    Alcampo
    Óleo sobre tela
    2012

    Martín Llavaneras (ESP-Lleida, Berlín)
    The chilhood of an Encounter
    Instalación
    2010-2012

    Françoise Vanneraud (FR-Nantes, Madrid)
    Requiem for a Dream
    Serie de tres dibujos (56 x 76 cm)
    2011

    Pedro Luís Cembranos (ESP- Madrid)
    Disasters Relief
    Serie de cuatro grabados (78 x 54 cm)
    2012

    Fermín Jiménez Landa (ESP-Pamplona, Valencia)
    Dibujos fríos
    Dibujo sobre papel
    2011

    Ainara Elgoibar (ESP-Bilbao, Barcelona)
    Tributo (after the Flood)
    Instalación
    2012

    Categorís: Anteriores, Expos


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